Rockstars de a mentis

El día de ayer entré a la oficina de un amigo. Estaba en esos tiempos muertos que todo mundo conocemos, viendo el famoso YouTube. Vimos varios videos sobre un músico talentosísimo que me hizo reflexionar sobre el tema de hoy: los músicos ficticios. Me refiero a músicos o bandas que existen en una historia de ficción, cuya fama excede su mundo y se han vuelto ampliamente reconocidos. He aquí un brevísimo recuento de estos estrellas de peluche, trapo o tiza:

Número 5:
Josie y las Gatimelódicas (Josie and the Pussycats). Surgieron del cómic de Archie hasta que lograron su propia fama y llegaron a tener su propia caricatura producida por Hanna Barbera. La banda está formada por Josie McCoy en la guitarra, Melody Valentine en la batería y Valerie Brown en la voz. Curiosamente, esta banda no requiere bajo, teclado o algún instrumento de soporte armónico. ¡Vaya virtuosismo de trío!

Número 4:
Alvin y las Ardillas (Alvin and the Chipmunks). Trío ficcional de ardillas músicos que comenzaron grabando discos y terminaron por tener también su propia serie de dibujos animados. Este grupo integrado por Alvin, Theodore y Simon tuvo tal impacto que en la serie animada se tuvieron que formar las Chippettes -su contraparte femenino- para dar gusto a todos los niños. Es más, no podemos extraernos de recordar la versión "región 4" con ¡Lalo Guerrero y sus Ardillitas -Pánfilo, Anacleto y Demetrio-!

Número 3:
Encías Sangrantes ("Bleeding Gums" Murphy). Saxofonista que aparece en Los Simpsons en solo 2 episodios, pero marcó completamente a Lisa Simpson en su afición por el saxofón, pues guarda con mucho cariño el único disco que éste logró producir. Es memorable el episodio donde aparece a la luz de la luna tocando su saxofón. Esa fue la noche de su muerte -aún se cuentan con los dedos los personajes de los Simpson que han muerto-, convirtiéndose así en un mito.

Número 2:
La banda de la Cantina de Mos Eisley. (Frigrin D'an). Fanáticos de Star Wars, recuerden aquel momento en el que entran ObiWan y Luke a negociar con Han y Chewy. Además de ver a ObiWan en acción, la escena es recordada por la banda musical. Aunque dos episodios después aparece la banda privada de Jabba, se hace valer el dicho de que "el que pega primero, pega dos veces". La banda de Mos Eisley es la primera de Star Wars y, como tal, tiene un lugar aparte.

Número 1:
La banda de los Muppets (Dr. Teeth and the Electric Mayhem). Sencillamente única. Una banda completísima: El Dr. Dientes en la voz y el teclado, Janice en la guitarra, el Dr. Floyd Pepper en el bajo, Animal en la batería, Zoot en el saxofón y Lips en la trompeta. No hay banda ficticia que tenga tanta instrumentación. Además, su impacto en la cultura pop fue de gran consideración. Grandes estrellas pasaron revsita con esta banda. Elton John, Alice Cooper, Dizzy Gillespie, Joan Baez son algunos de los músicos que compartieron escenario con la gran banda de los Muppets.

Resta decir solamente que el video que estaba viendo con mi amigo era un solo de batería de Animal. Era tan, pero tan bueno, que le pegó durísimo hasta prenderse fuego.

PD: Se aceptan sugerencias a esta lista. Esto es solo lo que yo pude recordar y quise compartir.

Cumpleaños

El pasado lunes 18 este exégeta celebró un aniversario más. Un muy buen amigo me avisó por un mensaje SMS que compartía la fecha con Sir Paul McCartney. Cosa muy curiosa. Entonces me di a la tarea de ver las efemérides del 18 de junio y encontré cosas bien interesantes. Un simpático autoregalo de cumpleaños. Comparto con los lectores el resultado de los 10 personajes famosos que nacieron el mismo día que yo.

1. la zaresa Anastasia (1901)
   
2. la actriz Eva Bartok (1927)
   
3. el sociólogo Jürgen Habermas (1929)
4. el expresidente brasileño Fernando Henrique Cardoso (1931)
5. el beatle Paul McCartney (1942)
6. el entrenador del Real Madrid Fabio Capello (1946)
7. el beisbolista Andrés Galarraga (1961)
8. el guitarrista Dizzy Reed de Guns n'Roses (1963)
9. la actriz de "Smallville" Alana de la Garza (1976, igual que yo)
10. el ala cerrada de los Chargers, Antonio Gates (1980)

Sabía de la existencia de estos diez, y no sabía que compartíamos cumpleaños. Curiosa coincidencia. Les recomiendo que hagan este ejercicio. Es bastante entretenido.

Rock en español: año de reuniones

Sin duda alguna, para los que tenemos entre 27 y 35 años y gustamos del rock, la década comprendida entre 1985 y 1995 fue altamente prolífica en cuanto a rock en español se refiere. Grandes bandas mexicanas, argentinas, colombianas, chilenas y españolas dieron lo mejor de sí durante esos diez años. Las batallas del rock latinoamericano emergidas de los años sesenta y que se extendieron por veinte años más lograron su total maduración durante esos dos lustros. Pero con el inicio del nuevo siglo, el movimiento se diluyó y ahora existe un ambiente distinto, con otras características.

Sin embargo, el legado es fuerte. Las bandas actuales reconocen el trabajo de los grandes de finales de los ochenta y principios de los noventa. El peso específico en el rock hispanocantante de bandas como Soda Stereo, Héroes del Silencio, Café Tacuba o Caifanes es indudable. Aún en sus nuevas facetas, gente como Gustavo Cerati, Enrique Bumbury o Saúl Hernández aportan a la formación de nuevas bandas. El trabajo solista de los dos primeros y la etapa Jaguares del segundo han tenido éxito comercial y son constantemente invitados a compartir escenario con bandas nuevas. La trayectoria cuenta, no hay duda.

Pues ahora resulta que en este 2007 se ha concretado el regreso de Héroes del Silencio y de Soda Stereo, como ha sido la tendencia internacional en los últimos años en la escena anglocantante (ahí están The Who, Black Sabbath y hasta Rage Against the Machine, por ejemplo). Sin duda, la expectativa por dichas reuniones es inmensa y seguramente el boletaje para estos recitales estará calientísimo y se extinguirá en minutos.

Pero queda una leyenda pendiente: Caifanes. Bueno, pues esta agrupación pasa por fechas críticas en su historia. Este año se cumplen 20 años de su formación y el venidero 2008 será el 20 aniversario de su primer disco. Los rumores están durísimos; se dice que Saúl, Sabo, Alfonso y Diego se reunirán en próximos meses, solo que con piel de "jaguar". ¿Será? Ya veremos, dijo un ciego...

¿Pistolas o Rosas?

El día de ayer se presentó una vez más en la Ciudad de México el aclamado grupo de metal ochentero, Guns n'Roses, o más bien, lo que quedó de él. Me llama la atención que, a pesar del tiempo y las rupturas, este concierto fue muy bien recibido entre los fans mexicanos, casi como recibieron a Nery Castillo con la Selección Verde-Ratonera anoche también en el Azteca.

A mí mismo como fanático de este grupo angelino me genera muchos sentimientos encontrados el hecho de que Axl Rose haya venido a dar un recital usando el nombre de la mítica banda. Con los cuates de la chamba que comparten este gusto comentamos "Hoy toca Guns; bueno, Axl Rose". La realidad es que no sabíamos cómo llamar a este grupo. Por ello dedicaré las líneas de hoy a revisar dónde está el verdadero sustento de Guns; ¿es Axl, es Slash o incluso alguien más?

Pues empezaré por la hipótesis de uno de estos cuates de la chamba, quien me respondió a esta pregunta: "El genio creativo de Guns era Izzy (Stradlin)". Argumentó que la mayoría de las canciones y letras fueron compuestas por él. Llegué del trabajo a revisar mis discos y me llevo la sorpresa que el registro de autoría aparece como "Guns n'Roses". Ahora resulta que la red tiene más y mejores datos que las fuentes originales. Quién diría. En fin. El chiste es que Internet me arroja que Stradlin participa en 9 de los 12 temas de "Apetite for Destruction"; en 8 de 16 en "Use Your Illusion I" y en 4 de 14 en Illusion II. Pero también al revisar los datos, pues resulta que es muy común la presencia de Axl y Slash; incluso Duff "The Rose" McKagan participa también en un importante número de canciones. De ahí la autoría colectiva en los discos.

Tras esta búsqueda llego a la conclusión de que Guns n'Roses eran todos juntos, hasta el mal baterista Steven Adler aportaba mucha personalidad. Si dudamos en llamar a la banda de Axl como "Guns n'Roses", pues también habría que ubicar que el proyecto de Slash, McKagan y el segundo baterista Matt Sorum con el ex vocalista de Stone Temple Pilots Scott Weiland llamado "Velvet Revolver" resulta algo difícil de digerir para muchos fans de Guns.

Ni modo, hay que decirlo como es: Guns solo hubo uno. Lo demás, son puras imitaciones.

El gran Sargento cuarentón

Pocos se atreven a disentir sobre la idea de que los Beatles son la mejor banda de rock que existe, existió y existirá en la faz de este mundo. Sin embargo, no todos podrán distinguir que el cuarteto de Liverpool fue uno antes de 1967 y uno completamente diferente tras este año. El lanzamiento de su octavo álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" el primero de junio del citado año representa un hito no solo para los Beatles, sino para la historia de todo el rock en sí mismo.

Empecemos por analizar a los propios Beatles y el porqué del parteaguas para sí mismos. Antes del "Sargento Pimienta", su música se caracterizaba por piezas cortas, melodías basadas en los acordes en la guitarra y cantos a coro, fundamentalmente. La temática giraba en torno a los amores de adolescente como "She Loves You", "Love Me Do", "All My Loving", solo por citar algunas de entre los diez temas que a ojo veloz y avizor logro recordar en los primeros siete Long Plays del cuarteto donde la palabra "Love" aparece en el nombre. Ya no nos pongamos a ver las apariciones de esta melosa palabra en las letras de las canciones, porque entonces este texto no estaría listo hoy.

Después del citado disco de saturada portada, el giro es notorio. Se aprecian composiciones más elaboradas donde las guitarras pueden "llorar gentilmente" con solos más complejos, las voces dejan los coros y se vuelven hasta efectistas ("I Am the Walrus", por ejemplo). En la temática, el amor adolescente se convierte en un amor "hippie", donde no importa en sí ser correspondido por una dama, sino amar por el simple hecho de hacerlo ("All You Need Is Love") y la metáfora y hasta la alegoría se vuelven mucho más presentes en las letras. Son unos Beatles más creativos y más "artistas". Se dice que el responsable fue Bob Dylan al darles a probar ciertos "humos locos".

La influencia del Sargento sobre el rock en su conjunto es también notoria. Para muchos, este disco representa el inicio de la psicodelia, y con ello, del rock como un ente distinto del rocanrol. La creación de un "disco conceptual" demostró que esta no era una música de paso sino que sus posibilidades creativas y representativas son tan infinitas como la música misma. Asimismo, establece que el lugar de los Beatles es el de los padres de todo el rock. Su primera etapa resultará inspiradora para los grupos más pop, con una idea más "comercial"; la etapa que inaugura el "club de corazones solitarios" es el del rock más "vanguardista", el conceptual y creador de nuevos estilos dentro del rock.

A cuarenta años de su aparición (motivo para un relanzamiento del álbum), los roqueros debemos reconocer la importante contribución que los escarabajos hicieron a la música con la creación de un disco revolucionario desde su portada misma. A este sargento, sí que me le cuadro y lo saludo con honores.

30 Aniversario recordando a ... John Williams

El pasado 25 de mayo se conmemoró oficialmente el 30 aniversario de la serie fílmica que ha revolucionado el cine de Hollywood al narrar los andares de un par de androides por el espacio sideral. Con el paso de los años, Star Wars se convirtió en un fenómeno de cultura de masas, creando fanáticos compaginados con alguno de los muchos detalles narrativos y creativos de la historia galáctica, desde los simples juguetes hasta los que han iniciado toda una religión alrededor de "La Fuerza".
Uno de esos detalles de la épica cinematográfica de George Lucas que se ha convertido en todo un culto es la música escrita por John Towner Williams. El tema de entrada, la Marcha Imperial, el tema de La Fuerza, son algunos de los leif motif más representativos de esta serie. Lo importante de este homenaje a Williams es destacar toda su carrera más allá de Star Wars.

Pocos saben que Williams tiene 5 estatuillas del Óscar y más de 40 nominaciones de la Academia (solo superado por Walt Disney); que ha desarrollado himnos para cuatro Juegos Olímpicos (Los Ángeles 84, Seúl 88, Atlanta 96 y Salt Lake City 02); y que su jefe favorito en la cinematografía no es George Lucas sino Steven Spielberg. Al lado de éste participó en filmes muy relevantes en la historia de Hollywood como Jaws (conocida en México como "Tiburón"), cuyo tema de dos notas se ha vuelto representativo de los ataques de tiburón; o la famosísima serie de Indiana Jones, rematando con la multiaclamada E.T. El Extraterrestre. De hecho, Williams solo no ha participado en una cinta de Spielberg: "El Color Púrpura".

Sin duda, Williams es el músico más prolífico de la industria del cine norteamericano y su obra más famosa es razón suficiente para hacerle un pequeño homenaje al hombre responsable de la revaloración de la música de orquesta para el cine; del abandono del cliché "cine de ciencia ficción ergo música electrónica"; de la música con un alto valor épico. Indudablemente, John Williams, "The Force is strong in you".

¡¡¡Música, maestro!!!

En México, este 15 de mayo conmemoramos el Día del Maestro. Los niños faltan a clases, las escuelas organizan grandes convites con banquete, rifas, regalos y un grupo versátil de música para amenizar el festín. A la voz de “¡Música, maestro!”, el grupo comienza a ejecutar las bellas melodías que el pópulo gusta de bailar en cualquier tipo de festejos.

Pero, detengámonos un poco. Hemos dicho “¡Música, maestro!”. ¿No que era la celebración de los maestros? ¿El músico es o no es maestro? ¿Por qué llamamos maestro al músico, si no enseña nada (o sí)? Pues este espacio propone que reflexionemos sobre la íntima y extraña relación que guardan estas dos palabras: “¡Música, maestro!”

Estamos tan acostumbrados en pensar en la música como el arte que se expresa a través del sonido que ya ni siquiera se nos cruza por la mente la posibilidad de cuestionar esta idea. Sin embargo, originalmente, la música no era solo sonido, sino era todo el arte en sí mismo. La etimología griega alude a su carácter integral, pues representa la suma de todas las artes patrocinadas por el coro de las Musas bajo la protección de Apolo. El sufijo griego “ike” simplemente nos dice “referente a”; como la física es “referente a los cuerpos” o la ética “referente a la personalidad”, la música es lo “referente a las Musas”, diosas inspiradoras de poesía, artes y ciencia. Los griegos “cantaban” su poesía (arte tradicionalmente vinculada a la necesidad de una “musa inspiradora”) con ayuda de la lira, y es de ahí que ahora vinculamos la idea de música con el arte de expresar algo bello con sonidos.

En cuanto a “maestro”, también asumimos un sentido que no fue el original. Magistere quiere decir “el que se para más alto” y es el opuesto de ministere. Así, el “maestro” es el que tiene más méritos para pararse en lo alto de entre sus pares. Eran sus conocimientos o habilidades los que le permitían al “maestro” pararse por encima de los demás. Esa misma capacidad a la que estamos haciendo alusión le da la facultad moral de enseñar a los demás, a los aprendices del oficio, de ahí su moderno emparejamiento con la idea de profesor, “el que profesa”, el que dice algo importante.

Hasta aquí logramos entender el sentido original de los términos, pero ahí no hay relación para formar el “¡música, maestro!”. El poeta de la lira no necesariamente enseña a los demás, ni tiene algo qué decir, sino solo sentimientos que expresar a través de la más abstracta de las artes.

Es altamente posible que la unión de ambos términos se diese hasta el Renacimiento, cuando las artes fueron señal de habilidad y conocimiento, adjudicándosele el término “maestro” al artista capaz de desarrollar obras insólitas (léase los Miguel Ángel y Rafael (no confundir con las Tortugas Ninja, por favor)). Los músicos, como artistas innovadores, también ganaron el mote de “maestro”, y fue en ese momento que se puede establecer un vínculo con su original sentido etimológico, pues esos grandes músicos y artistas se pararon “por encima” de los demás ante las grandes cortes nobiliarias de la pomposa Europa renacentista.

Ahí aparecen los Bach, Beethoven, Brahms, Mozart y otros músicos que fueron llamados “maestros” y que ahora hemos aplicado a los Sinatra, Lennon, Hendrix en el contexto anglófono y globalizador; o bien, los Pedro Vargas, Manzanero, Pérez Prado o José Alfredo en el contexto tropical mexicanizado. En el plano estrictamente musical, Manzanero no tendría comparación con Bach; pero en su contexto, ha hecho obras insólitas que le dan la posibilidad de erigirse por encima de sus pares, músicos mexicanos.

En estricto sentido, al grupo versátil del Día del Maestro no se le debería aplicar nuestra frase, pero en el mínimo sentido original, subimos al grupo a una tarima para que todos los vean al bailar. Se paran en lo alto y eso los hace “maestros”, como el profesor que sube al estrado a acallar batallas a cerbatana de pluma Bic todos los días del calendario escolar. Honor a ambos, pues no es nada sencillo subir y domesticar las masas. ¡Felicidades, maestros!